Resumen de la entrevista

¿Qué función desempeñas dentro del sistema del mundo artístico?

Bien, pues yo soy profesor de Dibujo. Trabajo principalmente con Secundaria, por lo tanto, soy el primer eslabón que tienen de contacto con especialistas en el mundo artístico. Abarco desde los 12 a los 18 años normalmente.

¿De qué depende que puedas desempeñar este papel?  (¿qué otros elementos de este sistema hacen posible tu actuación?)

En primer lugar, depende mucho del currículo que el Ministerio plantea, siendo esto a demanda de las expectativas sociales ante el arte. Al ser estas expectativas muy bajas, no existe un apoyo real a estas disciplinas y se encuentran aparcadas, aparte del resto de disciplinas de educación.

Depende mucho también de la voluntad de cada profesor en cómo aproximar este mundo a los alumnos.

Es muy importante también tener en cuenta que los jóvenes están constantemente expuestos a imágenes de todo tipo y yo creo que mi papel es darles una herramienta para que puedan entenderla y ordenarla cada uno siguiendo su propio criterio.

¿Crees que tu intervención en la educación puede condicionar el curso de la vida de algunas personas? Si es así ¿de qué manera?

En mi experiencia personal existe gente y existen momentos en los que veo claramente por qué me dirigí hacia el arte y por qué me dediqué a esto, entonces, de la misma manera me imagino que la educación o los profesores pueden ser uno de los elementos que cambian o que descubren algo en las personas, que les haga decidirse por este camino. Pero hay que ser muy modesto en esto, hay que tener en cuenta que la educación artística es mínima, se reduce a dos años, dos horas a la semana en la Educación Secundaria Obligatoria, por lo que se hace algo complicado.

¿Para llevar a cabo tu papel tienes que relacionarte con otros elementos o actores del mundo del arte? ¿Cuáles son estos elementos? ¿Qué relación mantienes con ellos?

A ver, en el aspecto puramente laboral, no. Fundamentalmente lo que tengo que hacer es estar muy atento a lo que se está haciendo, acercarme lo máximo posible al universo figurativo de los chavales. Estoy pendiente de los videos de música que ven, las películas que les sean especialmente llamativas o la estética de tribus urbanas que puedan servirme de referentes y muchas cosas más. Si no haces esto no puedes realmente hablar con ellos y comprenderlos.

Pero en este punto de la educación no llegas a los chavales explicándoles el mercado del arte, no lo necesitan aquí.

En tu opinión ¿Un artista nace o se hace?

Vamos a decir las cosas claras, el artista definitivamente se hace. Yo estoy dando clase, soy profesor y por lo tanto tengo muy claro que se aprende. También entiendo que, como en cualquier otra actividad humana que requiera un proceso largo de aprendizaje, hay que tener vocación para aguantar el tirón.

Yo sí puedo decirte que a mí, siendo pequeño, me pusieron un lápiz en la mano y aprendí a jugar dibujando, y de la misma manera sé que lo mismo le ha pasado a muchas personas. Y alguien nos enseñó que eso era divertido, pero necesitas esa vocación para dedicarle todo el esfuerzo que traerá más adelante. Pero, al final de todo, es un oficio, y los oficios se aprenden.

¿Influye tu opinión sobre la última pregunta en cómo afrontas tu trabajo?

Hay una palabra que es “entusiasmo”. Los chavales necesitan ver en ti el entusiasmo, ver que es algo que realmente te incumbe, necesitan verte las manos manchadas de tinta y es eso lo que realmente abre las puertas a todo. Puedes tener más capacidad de expresión o menos, pero lo que realmente hace que eso se pegue al alma de la gente es el entusiasmo.

¿Dónde crees que reside la artisticidad de las cosas? ¿En qué momento algo pasa a ser considerado artístico?

Esto es muy complicado. Si damos por bueno que esto nace de necesidades del ser humano, aquello que responde a esas necesidades es arte. La mejor definición de arte que yo manejo es la de la gente común cuando dice “jope fulanito, qué arte tienes con la huerta o qué arte tienes con la madera”. Lo que hay detrás de eso es el hecho de elevar una actividad humana a una categoría de perfección. No todas las actividades humanas tienen esta capacidad, pero las que realmente salen del alma y pueden ser refinadas a un cierto nivel, podrán ser consideradas arte gracias al anhelo, la necesidad de la persona de trabajar en esa actividad.

¿Hasta qué punto crees que es necesaria una educación artística y de técnicas artísticas, tanto para personas que pretenden dedicarse al arte como para personas que no?

Es algo fundamental. La participación de la gente en el arte es imprescindible, creo que es la tendencia natural del ser humano, por lo tanto, todas las personas deben tener conocimiento de todas las técnicas posibles para abordar estos temas.

De hecho, creo que ahora mismo el analfabetismo visual es un peligro enorme al que está expuesta gran parte de la gente. Es importantísima una educación visual ya que ahora mismo todos estamos expuestos constantemente a imágenes en muchos formatos diferentes, ya hablando aparte del arte, esto forma parte de nuestras vidas cotidianas y es lo que lo hace tan imprescindible.

¿Crees que es importante que un educador tenga su propia obra y carrera artística?

Esto es indispensable, lo hablábamos antes, no se puede jugar de farol, se deben tener las manos manchadas de tinta. Es más, hablando con compañeros, he llegado a la conclusión de que la crítica artística se puede desarrollar de manera que una obra conteste a otra obra, estableciendo una conversación dentro de un mismo lenguaje, que es la expresión artística. La única herramienta de comunicación que vale para el arte es el arte, de manera que un educador ha de estar inmerso en ello.

Aquí volvemos con lo de antes, el entusiasmo. Si tu sientes el entusiasmo por lo que haces, los jóvenes lo van a captar y se les va a contagiar.

Informe

1. Visión general del Arte

El mundo del arte es un sistema muy amplio, que abarca multitud de actividades, disciplinas y profesiones y nos afecta desde diferentes perspectivas en nuestra vida. Vivimos en un mundo extremadamente visual y cada día que pasa estamos expuestos a más y más imágenes, sean artísticas o no.

Como cualquier sistema, el del arte, se mantiene gracias a la actuación de muchos elementos implicados en mayor o menor medida, como ya hemos comentado en anteriores actividades de esta asignatura. Participan, en este complejo plan, desde los propios artistas, galeristas y coleccionistas, hasta los mineros que extraen material de la tierra para que se pueda realizar una obra o el transportista que hace que la obra llegue a su destino. Evidentemente, no todos los actores tienen el mismo nivel de implicación en este complejo mundo artístico, pero desde luego, cada una de esas actividades es necesaria.

2. La elección del entrevistado

A la hora de enfocar la actividad que se nos planteó y qué actor elegir, uno de los factores más importantes que tuve en cuenta fue el de las controversias que trabajamos en la actividad anterior. Los artistas ¿nacen o se hacen? Es una pregunta que me llama mucho la atención, siempre he pensado mucho en ello y cuando en la anterior actividad se me presentó la posibilidad de indagar en ella casi no tuve que leer el resto de las opciones para saber que esa era en la que quería trabajar. En esta 4º PEC se nos pidió que estudiásemos un actor del mundo del arte e investigásemos su relación con alguna de estas controversias, y ¿Quién mejor para tratar este tema que un formador?, una persona que se dedica a iniciar a muchos jóvenes en las enseñanzas artísticas. Una persona que se encuentre ejerciendo esta profesión y al mismo tiempo esté en activo dentro del mundo de la creación del arte, que, por tanto, podrá arrojar mucha luz sobre el tema elegido.

Otro factor determinante a la hora de la elección del elemento a estudiar fue la accesibilidad, en este caso se trata de una persona muy cercana a mi entorno familiar, lo que facilitaba el hecho de concretar un momento que fuera adecuado para las dos personas y poder hablar abiertamente sobre los temas a tratar.

Por último, personalmente, me gustaría dedicarme en un futuro a la enseñanza de disciplinas artísticas, de manera que entrevistar a un profesional que precisamente se dedica a esta disciplina, me resultó especialmente enriquecedor.

3. Quién es José Luís García Luengo

José Luis es profesor de Plástica en Educación Secundaria y Bachillerato, por tanto, en muchos casos, es de los primeros contactos que tienen los adolescentes con alguien especializado en técnicas artísticas, y que desarrolla su propia obra en el arte de la pintura, el dibujo y el grabado. Lleva en esta profesión más de veinticinco años y ha dado clase en numerosos colegios, de zonas muy diversas, desde capitales provinciales, villas minero-siderúrgicas, hasta zonas rurales muy alejadas de los núcleos urbanos.

En su caso particular, Pepe Luengo -este es su nombre artístico- entiende que su papel en todo el entramado del sistema artístico se encuentra muy alejado del mundo del mercado del arte y, por otra parte, en su ejercicio de la docencia, está muy condicionado por las distintas políticas del Ministerio de Educación de turno y los sucesivos cambios de programas con cada gobierno. De manera que la influencia del mundo artístico, es decir, de la creación artística, pasa a ser secundario en lo que se refiere a los elementos que más influyen en su trabajo.

4. La visión del docente

Considera el entrevistado, que el mundo del arte sufre un aislamiento, o está relegado con respecto a otras disciplinas, que las políticas gubernamentales dan muy poca importancia a la educación artística, reduciendo el número de horas lectivas de la asignatura, lo que crea un efecto de bola de nieve que a su vez hace que las nuevas generaciones resten importancia a esta disciplina, dando como resultado que el arte cada vez se encuentre más apartado de la vida cotidiana.

Según José Luís, este es un peligro muy grande al que se enfrenta la sociedad actual, en la que todas las personas, pero especialmente los jóvenes, viven expuestas a una gran cantidad de material audiovisual, con una gran carga artística y el analfabetismo artístico o, ya abarcando algo mucho más amplio, el analfabetismo audiovisual, puede suponer un gran problema, tanto como individuos, como a la sociedad en sí. Las nuevas generaciones necesitan comprender las bases de este lenguaje al que tienen acceso para poder entender realmente lo que están contemplando y que no se dejen influenciar por mensajes contradictorios o subliminales que puedan contener la enorme marea de imágenes que se consumen cada día.

Desde su trabajo, José Luis, intenta dar estas herramientas a sus alumnos, tratando de acercarse lo más posible a su mundo, observando los artistas que les gustan, los creadores de contenido a los que siguen y, de esta manera, hacer que se acerquen a esta nueva era digital, de una forma crítica y responsable.

Queda claro que la enseñanza artística resulta de gran ayuda al desarrollo personal de las personas, especialmente en las edades más tempranas, y puede complementar otros campos. Sin embargo, en el mundo en el que vivimos se ve muy claramente que no se enfoca de esta manera, sino que se imparte como algo aislado, desvinculado del resto de disciplinas, olvidando que, en épocas pasadas, ciencias de gran importancia como las matemáticas o la medicina, estuvieron muy ligadas al arte y fueron desarrollándose juntas, para separarse casi por completo en la actualidad.

5. La importancia de la implicación en la enseñanza

A diferencia de otros profesionales de este campo, José Luis no busca enseñar una Historia del Arte con sus obras insignia o con unas técnicas concretas, sino que trata de acercar el lenguaje artístico a los jóvenes de una forma más práctica, para que la puedan entender como una herramienta útil para fines muy variados, en determinados momentos de sus vidas. Entiende, que la idea de arte con mayúsculas es secundaria en este aspecto, no obstante, trata de conseguir que los adolescentes compartan su entusiasmo de la manera más justa y sincera posible, exponiendo su pasión, pero de una manera que a ellos les sea familiar.

Podemos encontrar aquí el objeto de otra controversia muy interesante ¿Cómo iniciar a los estudiantes en el mundo del arte? ¿Debemos enseñar una teoría establecida, rígida e invariable? O por el contrario ¿No podría ser mejor acercar, al menos al principio, el arte de una forma familiar, poco forzada y que de esta manera pueda generar más interés en los jóvenes estudiantes?

6. Las distintas ópticas sobre el mundo del arte

Aún, discrepando de Pepe Luengo en cuanto a la idea de si los artistas nacen o se hacen, es muy interesante y enriquecedor ver cómo dos teorías distintas sobre una misma idea pueden converger en determinados puntos, y hasta encontrar ciertas similitudes que lo hacen especialmente interesante. Pepe defiende que los artistas se hacen, cree que el arte es un oficio que es necesario aprender y pulir con la experiencia, como muchas otras disciplinas, pero también aclara que para él el arte no es sólo lo que comúnmente es reconocido como tal, sino que también lo puede ser cualquier actividad humana que responda a la necesidad del espíritu de realizar esa actividad y tenga la capacidad de despertar alguna emoción en quien la hace.

Además, es necesario que la actividad se desarrolle a lo largo del tiempo y poco a poco vaya acercándose a esa perfección dada por la experiencia. Esto es algo poco usual y alejado de las nociones normalmente exploradas de esta controversia, pero creo que es de gran interés, porque le da una vuelta a la forma de tratar estos temas y aporta frescura.

¿No debería ser el arte una llamada del individuo a algo mayor que él? ¿Una forma de expresión, o de canalización de las sensaciones o sentimientos, una emoción encarnada en una actividad hecha con pasión? Ahí reside exactamente el verdadero arte, en el entusiasmo de quien lo hace y no en qué se hace. El problema de esta concepción del arte es su subjetividad, además, muchas personas quizás no alcanzarían a entenderla. Por otra parte, el camino que nos abre esta descripción podría llevarnos a dudar si alguna de las obras que consideramos “arte con mayúscula” quizás no tendría por qué serlo.

Desde mi percepción, José Luis, al estar desvinculado del mercado del arte puede permitirse opinar de una forma libre y consecuente, porque no depende de las ataduras ni dictámenes del mercado, casi siempre muy jerarquizado y al servicio del poder de turno. El hecho de no depender de este mercado le da la capacidad de explorar nuevas formas de expresión artística y aceptarlas como tal, acercárselas a sus alumnos, como potenciales artistas, ofreciendo una visión independiente.

De todos los temas tratados durante la entrevista, creo que ninguno se libra de crear controversia. La más llamativa es claramente la de si el artista nace o se hace, pero también puede ser muy interesante hablar sobre la importancia que tienen determinadas personas o acontecimientos en nuestras vidas, que nos pueden marcar y hacer seguir unos caminos u otros. Muchas personas pueden otorgarle una importancia mínima a este planteamiento, y creer que las inquietudes las lleva uno mismo, siendo parte de su propia naturaleza, pero esto le resta mucha importancia a la capacidad de las personas de observar e interpretar todo aquello que nos rodea.

Vivimos en un mundo que se mueve de forma vertiginosa, recibimos un flujo constante de información y sensaciones y unas nos llaman más la atención que otras. Algunas, pueden incluso marcarnos de por vida. José Luis nos habla de la importancia de tener esto en cuenta, pero también de cómo tenemos que entenderlo como algo natural a lo que hay que tratar con modestia y honradez.

7. Conclusiones personales

En definitiva, una vez realizada esta entrevista he llegado a varias conclusiones. La primera de todas es que es muy interesante razonar y pensar alrededor de un tema de forma individual, pero es también muy importante compartir las ideas que tenemos al respecto con otras personas, para así poder fijar y ampliar conceptos y cuestionar otros que podríamos dar por supuestos.

Es muy interesante analizar las distintas formas de ver un acontecimiento por parte de dos personas, a veces, incluso compartiendo la misma opinión al respecto, uno puede ver algunas cosas con más claridad o les darles más importancia a unas partes que a otras. Otra conclusión a la que me hizo llegar es que el arte resulta ser un elemento de nuestro día a día que puede ser entendido como algo concreto y aislado o como una disciplina que se relaciona y se nutre de otras, enriqueciéndose a sí misma y a las demás. Esta segunda forma de entenderlo, creo que es mucho más rica e interesante, aunque, tristemente, la primera está mucho más generalizada en nuestra sociedad, formando parte de las instituciones educativas.

En cuanto a cómo afrontar el tema de la enseñanza, como alumno que soy, creo que el planteamiento de la estructura didáctica cojea bastante en algunos aspectos. El primero, como ya queda dicho, es el aislamiento de cada disciplina, sobre todo en momentos tempranos de la formación, pues se limita mucho el aprendizaje de cada campo al negar la participación de otras disciplinas. Se tiende a asociar unos conocimientos con ciertas asignaturas de forma muy tajante y casi se niega la participación de otras.

Otros dos problemas que he detectado de forma muy patente en el sistema educativo tienen que ver, por un lado, con la normativa institucional y por otro, con el factor personal de los docentes. La primera es la rigidez en la forma de enseñar, no se imparte un temario en función de las necesidades o intereses del alumnado, sino que se diseña desde los altos organismos un modelo curricular que no tiene por qué ser el más adecuado a todo el alumnado, pensando, en este caso, en la gran diversidad geográfica del territorio y las distintas necesidades de cada zona. Además, se pierde muchísimo tiempo y energía en papeleo inútil, burocracia pura y dura, que no aporta nada positivo a la calidad educativa.

Por otra parte, cada profesor es un mundo, y muchos de ellos siguen impartiendo la enseñanza como una mera exposición de los materiales didácticos con la única expectativa de que los alumnos simplemente lo repitan de forma exacta, sin ningún tipo de análisis o interpretación.

En este caso, nuestro ejemplo de profesor lucha activamente contra este último aspecto, buscando nuevas formas de enseñanza.

Por último, la falta de entusiasmo. Como he dicho antes, estos factores son muy personales y dependen del profesor, pero, como alumno, he pasado por muchos formadores, de muchas materias, y tengo que decir que son pocos los que muestran verdadera pasión por su trabajo o por la disciplina que enseñan, siendo muchos los que tienen una actitud de cansancio o frustración, que se limitan a recitar un sermón y si el alumno no lo capta y no lo repite de forma idéntica, tiene una valoración negativa, cortando así, de raíz, la posibilidad de generar entusiasmo en sus alumnos. Soy consciente de que no es fácil la función del docente, sobre todo cuando está sujeto a una normativa rígida y bastante absurda, sin embargo, creo que en muchos casos debería haber más vocación y entusiasmo para fomentar así el interés de los estudiantes.

Diario de bitácora.

En los primeros momentos de estudio de la temática de la actividad, no sabía muy bien qué esperar en cuanto a las respuestas del entrevistado. Al principio pensaba que contestaría cosas muy similares a mi opinión, pero al ir pensando más en ello e ir formalizando las preguntas, me di cuenta de que no tenía por qué ser así. Llegados a este punto me empezó a picar la curiosidad por qué pensaría José Luis sobre cada uno de los temas, cómo los abordaría, llegando en algún momento a preocuparme por que los pudiera ver pretenciosos o fuese por un camino que no fuera el fin de la entrevista, terminando por hablar de otros temas. Todo ello se vio aclarado y resuelto en los primeros minutos de entrevista, aunque no respondió de la forma en la que creí que lo haría, lo hizo de una manera bastante clara y al son de la entrevista y la actividad.

Creo que en cada una de sus respuestas quedan patentes los muchos años de experiencia y lucha por mantenerse fiel a su postura. Esto mismo apoya y refuerza lo que menciona de la importancia de la sinceridad a la hora de hablar de cualquier tema, para ser justo con quien recibe la información.

Algo que creo que es de vital importancia, es entender el hecho de que al tratarse de una persona que dedica mucho tiempo a pensar en la naturaleza de lo artístico, aunque no se encuentre condicionado por muchos de los mecanismos internos de lo más profundo del sistema del mercado del arte, nos puede dar una información muy valiosa. Encontramos a una persona muy cercana a este mundo que lo aborda desde un punto de vista más imparcial, hablando de ello con el entusiasmo y experiencia de quien practica la creación artística pero sin los intereses o egos de quien depende de ese mercado para su propia subsistencia, pudiendo darnos una información más pura y menos adaptada a posibles mensajes en pro o en contra de determinadas posturas concernientes a lo artístico.

Por último, querría resaltar algo que me ha gustado especialmente. A lo largo de toda la entrevista he notado, y creo que lo podrá apreciar el lector, una intención por normalizar el arte, alejándolo de lo elitista, convirtiéndolo en algo que forma parte de todos y que incumbe a todas las personas. Nos habla del arte de una manera bastante intangible, con el entusiasmo, el sentimiento y los anhelos del hombre, pero no de una forma elitista ni excluyente.  Es una visión que desde mi punto de vista debería promulgarse mucho más.

¿Qué función desempeñas dentro del sistema del mundo artístico?

Bien, pues yo soy profesor de Dibujo. Trabajo principalmente con Secundaria, por lo tanto, soy el primer eslabón que tienen de contacto con especialistas en el mundo artístico. Abarco desde los 12 a los 18 años normalmente.

¿De qué depende que puedas desempeñar este papel?  (qué otros elementos de este sistema hacen posible tu actuación)

En primer lugar, depende mucho del currículo que el Ministerio plantea, siendo esto a demanda de las expectativas sociales ante el arte. Al ser estas expectativas muy bajas, no existe un apoyo real a estas disciplinas y se encuentran aparcadas, aparte del resto de disciplinas de educación.

Depende mucho también de la voluntad de cada profesor en cómo aproximar este mundo a los alumnos.

Es muy importante también tener en cuenta que los jóvenes están constantemente expuestos a imágenes de todo tipo y yo creo que mi papel es darles una herramienta para que puedan entenderla y ordenarla cada uno siguiendo su propio criterio.

¿Crees que tu intervención en la educación puede condicionar el curso de la vida de algunas personas? Si es así ¿de qué manera?

En mi experiencia personal existe gente y existen momentos en los que veo claramente por qué me dirigí hacia el arte y por qué me dediqué a esto, entonces, de la misma manera me imagino que la educación o los profesores pueden ser uno de los elementos que cambian o que descubren algo en las personas, que les haga decidirse por este camino. Pero hay que ser muy modesto en esto, hay que tener en cuenta que la educación artística es mínima, se reduce a dos años, dos horas a la semana en la Educación Secundaria Obligatoria, por lo que se hace algo complicado.

¿Para llevar a cabo tu papel tienes que relacionarte con otros elementos o actores del mundo del arte? ¿Cuáles son estos elementos? ¿Qué relación mantienes con ellos?

A ver, en el aspecto puramente laboral, no. Fundamentalmente lo que tengo que hacer es estar muy atento a lo que se está haciendo, acercarme lo máximo posible al universo figurativo de los chavales. Estoy pendiente de los videos de música que ven, las películas que les sean especialmente llamativas o la estética de tribus urbanas que puedan servirme de referentes y muchas cosas más. Si no haces esto no puedes realmente hablar con ellos y comprenderlos.

Pero en este punto de la educación no llegas a los chavales explicándoles el mercado del arte, no lo necesitan aquí.

En tu opinión ¿Un artista nace o se hace?

Vamos a decir las cosas claras, el artista definitivamente se hace. Yo estoy dando clase, soy profesor y por lo tanto tengo muy claro que se aprende. También entiendo que, como en cualquier otra actividad humana que requiera un proceso largo de aprendizaje, hay que tener vocación para aguantar el tirón.

Yo sí puedo decirte que a mí, siendo pequeño, me pusieron un lápiz en la mano y aprendí a jugar dibujando, y de la misma manera sé que lo mismo le ha pasado a muchas personas. Y alguien nos enseñó que eso era divertido, pero necesitas esa vocación para dedicarle todo el esfuerzo que traerá más adelante. Pero, al final de todo, es un oficio, y los oficios se aprenden.

¿Influye tu opinión sobre la última pregunta en cómo afrontas tu trabajo?

Hay una palabra que es “entusiasmo”. Los chavales necesitan ver en ti el entusiasmo, ver que es algo que realmente te incumbe, necesitan verte las manos manchadas de tinta y es eso lo que realmente abre las puertas a todo. Puedes tener más capacidad de expresión o menos, pero lo que realmente hace que eso se pegue al alma de la gente es el entusiasmo.

¿Dónde crees que reside la artisticidad de las cosas? ¿En qué momento algo pasa a ser considerado artístico?

Esto es muy complicado. Si damos por bueno que esto nace de necesidades del ser humano, aquello que responde a esas necesidades es arte. La mejor definición de arte que yo manejo es la de la gente común cuando dice “jope fulanito, qué arte tienes con la huerta o qué arte tienes con la madera”. Lo que hay detrás de eso es el hecho de elevar una actividad humana a una categoría de perfección. No todas las actividades humanas tienen esta capacidad, pero las que realmente salen del alma y pueden ser refinadas a un cierto nivel, podrán ser consideradas arte gracias al anhelo, la necesidad de la persona de trabajar en esa actividad.

¿Hasta qué punto crees que es necesaria una educación artística y de técnicas artísticas, tanto para personas que pretenden dedicarse al arte como para personas que no?

Es algo fundamental. La participación de la gente en el arte es imprescindible, creo que es la tendencia natural del ser humano, por lo tanto, todas las personas deben tener conocimiento de todas las técnicas posibles para abordar estos temas.

De hecho, creo que ahora mismo el analfabetismo visual es un peligro enorme al que está expuesta gran parte de la gente. Es importantísima una educación visual ya que ahora mismo todos estamos expuestos constantemente a imágenes en muchos formatos diferentes, ya hablando aparte del arte, esto forma parte de nuestras vidas cotidianas y es lo que lo hace tan imprescindible.

¿Crees que es importante que un educador tenga su propia obra y su propia carrera artística?

Esto es indispensable, lo hablábamos antes, no se puede jugar de farol, se deben tener las manos manchadas de tinta. Es más, hablando con compañeros, he llegado a la conclusión de que la crítica artística se puede desarrollar de manera que una obra conteste a otra obra, estableciendo una conversación dentro de un mismo lenguaje, que es la expresión artística. La única herramienta de comunicación que vale para el arte es el arte, de manera que un educador ha de estar inmerso en ello.

Aquí volvemos con lo de antes, el entusiasmo. Si tu sientes el entusiasmo por lo que haces, los jóvenes lo van a captar y se les va a contagiar.

Actualmente el arte es un elemento que nos acompaña casi en todo momento de nuestra vida. Desde los cuadros y esculturas que podemos ver en un museo, la música que escuchamos, la decoración en nuestras casas o mucha de la publicidad que consumimos. Todos estos ejemplos tienen un componente artístico. Vivimos rodeados de arte y por consiguiente una gran cantidad de personas dedican su tiempo a generar esta clase de contenidos que podemos considerar, en mayor o menor grado, obras de artísticas. Pero ¿qué son estos individuos?, ¿son artistas?, ¿son genios que se diferencian del común de los mortales? Para poder responder a estas preguntas y poder comprender en mayor medida el mundo del arte y a los artistas, es necesario profundizar en su historia, su naturaleza y a su vez tratar de entender lo mejor posible a estos creadores. Para conseguir esto la sociología es una de nuestras mejores herramientas.

Para empezar ¿qué es un artista?, ¿se ha percibido esta etiqueta siempre de la misma forma?

Como presenta Janet Wolff en “La producción social del arte”, en el renacimiento tuvo lugar un gran cambio en la forma de producción artística, pasando de depender completamente de los gremios, donde se generaban productos con una estética muy similar en todos los talleres, a aparecer el genio creador como una persona individual que aportaba su marca personal a su obra, distinguiéndola de las de otros individuos. Es importante aclarar que de ninguna manera esto fue el final de los gremios y en muchas ocasiones estos nuevos creadores tenían una serie de ayudantes o aprendices, de manera que no necesariamente hacían todo el trabajo solos. A pesar de esta transformación, seguía tratándose de artesanos con mayor o menor renombre y en muchos casos, gozaban de gran reconocimiento y respeto en altas esferas sociales, aunque seguían trabajando bajo pedido y con muy poca libertad creativa. Esto último difiere con la concepción actual del artista como individuo independiente que concibe, genera y experimenta, que busca nuevos códigos para comunicarse y que en muchos casos explora la controversia en su trabajo.

Esta considerable diferencia entre la concepción del artista de antaño, y de la que percibimos actualmente, nos deja ver de forma muy clara que la idea de artista ha ido cambiando a lo largo de la historia. Entonces, ¿cómo podemos entender realmente qué es el arte? ¿y la verdadera naturaleza del artista? ¿son los artistas una especie de “mesías” de la creación y la creatividad?

Para arrojar algo de luz a estas cuestiones estudiaremos, a que llamamos arte y cómo podemos diferenciar un objeto cotidiano de un objeto artístico. Para ello es de gran ayuda conocer el trabajo de Joan Campàs. En su conferencia “Per què un objecte es pot considerar obra d´art?” Campàs nos ofrece una serie de reflexiones que aclaran la diferencia entre estos dos tipos de objetos. Según lo que en esta charla se expone, entiendo que hay dos modos principales de deducir qué hace que un objeto tenga la cualidad de ser artístico. La primera opción es la más subjetiva. Nos habla de tres elementos, la intencionalidad del artista que crea un objeto con una perspectiva artística, el propio objeto que puede tener cualidades estéticas o simbólicas que inspiran una serie de sentimientos en quien lo observa, y la mirada del espectador que sería quien lo interpretaría de forma individual y subjetiva. Esta reflexión es perfectamente válida, pero nos plantea un problema. Según esta concepción, lo que una persona puede considerar una obra de arte podría no tener ningún valor artístico para otra. Necesitamos pues otra manera de acotar esta cuestión para llegar a un acuerdo más general.

Más adelante se habla de la teoría institucional, que resumiéndolo muy brevemente, intenta decir que todo aquello que las instituciones artísticas o actores importantes de ese mundo consideren arte, será arte. En un primer momento esta teoría puede generar rechazo, es muy fácil decir que lo que un museo diga que es arte, es arte y ya está. Pero si reflexionamos sobre ello, le encontramos un sentido, sobre todo si lo analizamos desde un punto de vista sociológico o histórico. Campàs menciona cómo en el barroco, las instituciones religiosas, encargadas de la creación de gran parte de las obras artísticas, escondía o destruía obras románicas porque en ese momento no lo consideraban bonito. En cambio, aceptaban el estilo predominante de la época. Al ser estas instituciones las que hacían posible la creación de nuevas obras por medio de encargos, se les delegó la decisión de escoger qué era arte y qué no en ese momento.

Puede que hoy en día no logremos comprender estás actitudes, ya que la idea de lo qué es artístico, es mucho más abierta y flexible, debido al conocimiento de multitud de estilos de diferentes épocas y marco geográfico, pero lo cierto es que, si las instituciones artísticas no aceptan algo como artístico, esto no será aceptado de forma generalizada. Aquí es donde entraría en juego la definición subjetiva y personal explicada anteriormente, en la que si una persona encuentra inspirador este objeto sí será artístico, pero únicamente a nivel individual y personal.

Si tenemos esto en cuenta, partiendo de la teoría del arte institucional, nos será mucho más fácil entender el rol del artista. Aunque también abordaré la idea del arte cómo algo individual y subjetivo.

Otro aspecto a tener en cuenta es a qué llamamos artista. ¿Podríamos decir que artista es aquella persona que genera de alguna manera contenido artístico?, o ¿acaso es solo artista la persona que se dedica de forma profesional a esta producción? Este es otro gran interrogante que nos puede entorpecer en gran medida el avance para la comprensión del mundo del arte y de cómo aparece un artista en el mundo, pero también se trata de una oportunidad para crear una base sólida en el conocimiento general de este campo y nos hará comprender mejor la naturaleza de cada uno de los elementos que lo componen. Partiendo de las dos preguntas anteriores vamos a tomar dos vertientes, en la línea del arte como algo subjetivo personal y del arte institucionalizado. En este sentido más personal y amplio, un individuo puede tener ciertas inquietudes artísticas y generar multitud de contenido artístico, se puede escribir poesía o canciones, dibujar y pintar, modelar o tallar o cualquier otra actividad con potencial expresivo. Si seguimos este hilo podremos llegar fácilmente a la conclusión de que toda persona es en potencia un artista y lo único que hay que hacer es dar el paso de crear y seguir ese camino. Esta idea está muy en la línea del arte individual, que depende de la intencionalidad del autor a la hora de la creación, las cualidades del objeto protagonista y de la mirada subjetiva del espectador. Aquí veríamos una conversación muy personal y directa del artista como emisor y el público como receptor, y si ambos sintonizan y comparten la opinión de que el objeto es una obra de arte, este cuerpo artístico llega a cumplir su función. Incluso podríamos pensar en la persona que realiza estas creaciones, pero no las comparte, la genera por el único placer de llevarlas a cabo con una mirada íntima e introspectiva y no siente la necesidad de exponer el resultado. De acuerdo con esta concepción esto también es arte y por consiguiente la persona que lo realiza es un artista.

Por el otro lado tenemos la idea del arte aceptado por la sociedad en general y más en esta línea, aunque no siendo exclusivo, el artista que se dedica a la creación artística al menos como parte de su actividad profesional. La persona que funciona de esta manera necesita generar un flujo más o menos constante de contenido artístico para asegurarse el sustento.

Otro factor extremadamente importante sobre los artistas que debemos tener en cuenta es que son hijos de su tiempo, no podemos olvidar que se trata de personas que viven en un determinado contexto social, económico, político y personal que tiene mucha importancia en la forma de expresarse y los temas que abordan. Esto es muy evidente al pensar en la diferencia a simple vista del arte de diferentes lugares y momentos históricos, así como el arte rupestre se diferencia del arte de la Europa medieval y este a su vez del arte del Japón feudal y todos estos son completamente diferentes a una obra de arte moderno. ¿A qué se debe esto? Pues es algo derivado de que cada persona obra en base a su educación, que puede variar mucho dependiendo de donde se haya criado y con qué valores, y de los estímulos que vaya recibiendo a lo largo de su vida. Digamos que la educación te da un estilo y las vivencias un discurso.

Existe un gran problema en nuestra sociedad relacionado con la concepción del artista y su obra, y es que, como explica Vera Zolberg en “¿los artistas nacen o se hacen?”, hay una tendencia muy común a mitificar de alguna manera la capacidad de creación del artista gracias a la cual pueden hacer obras de arte. Esto, desde mi punto de vista es un tremendo y enorme error, que no hace sino alejar a las personas del arte, del artista y de la obra artística, e incluso le quita merito a la persona que lleva a cabo la creación y concepción de una obra determinada. De esta manera se le resta importancia también a todo el proceso de aprendizaje y toda la experiencia que pueda tener un artista y que supone una parte esencial del buen acabado de cada trabajo. Cierto es que la “buena mano” o que, desde un primer momento a una persona se le dé bien una u otra disciplina, son parte muy importante para comenzar en el camino de la creación artística. Pero un artista no es solo eso. Las obras de arte muestran una evolución y un aprendizaje a lo largo de la carrera de un artista e incluso en una gran mayoría de los casos hay un aprendizaje previo a dicha carrera. Dicho de otra manera, si en nuestra casa tenemos un problema eléctrico o de fontanería y llamamos a un especialista para poder solucionarlo, damos por supuesto que esta persona se ha tenido que formar sobre ese tema, sabemos que no ha nacido con la capacidad de realizar esta tarea a la perfección ni relacionamos el buen hacer de este trabajador a una energía mística que le permite cumplir con su cometido profesional. Sin embargo, con los artistas si se tiende a hacer esto y se acaba cayendo en la opinión generalizada de que no todo el mundo vale para eso y solo lo pueden alcanzar algunos iluminados. ¿Acaso si una persona nos dice que quiere estudiar medicina le respondemos con que si no se te da bien de antemano este campo mejor se dedique a otra cosa? Ahora sabemos que cada persona tiene unas capacidades físicas y mentales con un equilibrio que puede mostrar mayor facilidad en una serie de disciplinas y menor en otras, pero no por ello le resulta imposible conocer y profundizar en estas últimas.

Teniendo todo lo explicado anteriormente en cuenta, podemos empezar a hablar de la naturaleza del artista, de la manera en la que “nacen” los artistas. Como he mencionado hace poco los etiquetados como tal, son personas, con una vida y una historia, un contexto y una opinión personal. Como cualquier persona un artista tiene unas pasiones y la vida le lleva por unos caminos que le hacen diferenciarse del resto de personas del mundo. La primera cualidad que hace falta para que una persona pueda ser denominada artista es la de desarrollar cierta inquietud artística o creadora que incite a la persona a tomar elementos de su entorno y transformarlos de alguna manera para cambiar, exagerar o minimizar su significado.  Esto es el primer paso que lleva a una persona a crear algo potencialmente artístico. A partir de aquí veremos que se puede desarrollar un interés por la creación, lo que llevará al estudio de otras personas que también lo hagan y los resultados de sus obras, también a raíz de la inquietud creativa se llega a una etapa, que puede ser pasajera o no, de exploración, investigación y experimentación de la creación en la que se conocen materiales, técnicas y modos de trabajar que den lugar a multitud de resultados finales. Mediante esta exploración se adquiere una experiencia y se desarrolla un lenguaje y un estilo concretos que pueden caracterizar a este artista.

En base a todo lo expuesto anteriormente es fácil entender el porqué de la polémica sobre la cuestión de si los artistas nacen o se hacen, pero precisamente gracias a todo lo aquí abordado resulta algo más fácil entender la naturaleza de esta cuestión. Los artistas son personas de carne y hueso, con un interés por crear y comunicar algo especial, pero esto no significa que la capacidad de la creación artística sea algo inalcanzable para otras personas. El artista nace en el sentido de que, si una persona crece sin una inquietud por crear y jugar con el significado y el potencial expresivo de todos los elementos que nos rodean, difícilmente podrá acabar siendo artista. De forma que es necesaria esa cualidad, aunque podría ser que alguien a lo largo de su vida sienta esta necesidad en momentos muy concretos y aislados, lo que no niega su potencial. Pero también es muy importante el factor de “hacer” al artista en el sentido de que conduzca su mente y su técnica, que explore y crezca, en definitiva, que cultive esa faceta.

En conclusión, llegamos a la idea de que, como infinidad de conceptos de nuestras vidas, esta controversia trata de polarizar y separar dos elementos que forman parte de la idea con la que se les vincula. Un artista nace y se hace, se nace con una chispa, un potencial creador y a lo largo de la vida se pueden ir aumentando y trabajando estas cuestiones de manera que lleven finalmente a poder considerarse artista.

Bibliografía

Campàs. Joan (2021). Curs: Introducció a a Història de l’art. 1. Per què un objecte es pot considerar obra d’art. Barcelona. (Consulta noviembre 2021)

https://www.youtube.com/watch?v=9spYFuyVGTE

Zolberg.  Vera. «Fragment de: Los artistas nacen o se hacen». En: Sociología de las artes. Madrid: Fundación autor. p. 149-161. ISBN 8480484713

¿Qué nos aporta analizar el arte desde una perspectiva sociológica? ¿Tiene algo que ver siquiera el arte con la sociología? Cuando pensamos en una obra de arte, se nos viene a la mente una imagen, visionamos en nuestra imaginación la apariencia física de esta obra. Evidentemente la obra de arte es algo mucho mayor que una impresión en nuestra mente que nos recuerda cómo se ve dicha figura. Para empezar cada obra de arte es hija de su tiempo, de la misma manera que lo es el autor de esta. Cuando un autor está llevando a cabo su obra artística, éste deja patente voluntaria o involuntariamente una serie de elementos que aportan información al ojo experto. Esto puede verse en base al estilo en el que el artista se exprese, la técnica que use, los materiales o según la temática que éste aborde y la forma en la que lo haga. La forma más evidente de manifestación es el uso de ciertos elementos como símbolos que, incluidos en la obra, puedan aclarar el sentido de esta. Todos estos elementos y otros muchos pueden dar una ingente cantidad de información que puede ser analizada desde múltiples puntos de vista, un análisis artístico puede darnos cierta información, un análisis histórico nos dará otra y un análisis sociológico puede aportar mucha más información ya que trata un espectro de temas mayor que ya de entrada integra otros temas como la historia.

En definitiva, en ningún momento una obra de arte es solo un objeto artístico. Se trata entonces de un registro de mucha información, de muchos aspectos y concerniente a múltiples disciplinas, en el código poco usual que es la expresión artística.

Además de esto último, la “vida útil” de la obra artística no termina con su creación o exposición ni con su posterior análisis. La obra pasa a formar parte del mundo del arte y del mundo en general como un nuevo agente, que puede ser el eje entorno al cual giren muchas nuevas acciones. Puede convertirse en emblema para múltiples causas, ilustrar una realidad pasada o presente, inspirar nuevas obras, puede actualizar su significado si es compatible con nuevos aspectos de la vida, etc.

Pocas obras de arte pueden representar mejor todo lo explicado anteriormente que el más que famoso Guernica de Pablo Picasso. En esta actividad analizaremos desde una perspectiva sociológica esta obra y trataremos de indagar en las siguientes preguntas: ¿influyen las relecturas de una obra de arte en su cadena de revalorización social y de mercado? ¿De qué forma apreciamos estos cambios en el Guernica y cómo se reflejan en la documentación seleccionada? Para ayudarnos en esta tarea contamos con la web Repensar Guernica creada por el Museo Reina Sofía. En esta página web encontramos un registro con más de 2000 archivos relacionados con este cuadro. De entre todos estos elementos nos serviremos de cuatro que nos permitirán comprender de qué manera ha marcado esta obra a nuestra sociedad y porqué lo ha conseguido.

Para alcanzar a ver la magnitud de la influencia de este cuadro en el mundo en que vivimos, hay que empezar por entender el nacimiento de la obra y lo que ella representa.

En el año 1937, en plena guerra civil española, la población de Guernica fue bombardeada por tropas alemanas e italianas. El mismo año se le pide a Pablo Picasso que realice una obra para figurar en la Exposición Internacional de 1937 en París y él creó esta inolvidable pintura.

Para ayudarnos a entender la intención de la pintura nos serviremos del archivo “How to Look at a Mural: Guernica” (Ad Reinhardt, 1947). En esta ilustración se desglosa el gran cuadro, destacando y explicando algunos de los elementos más importantes. Comienza por presentar la obra al observador con una breve introducción que explica el contexto en que la obra fue concebida. Acto seguido se ven algunos detalles extraídos de la obra, estos describen a la perfección los horrores de la guerra, el sufrimiento y angustia que acontecimientos de este estilo causan a las personas. También se encuentran gran cantidad de símbolos, como la flor o el ojo que crea la bombilla que ilumina en la parte alta de la obra. Pero a pesar de todos los elementos que podemos encontrar en el frenesí de imágenes que es el Guernica, no somos capaces de ver ninguna alusión directa que relacione esta pintura con el bombardeo que le da nombre, mas allá del título de la obra. Este pequeño detalle resulta ser una característica muy importante en el papel simbólico que jugará este cuadro más adelante.

El Guernica fue creado durante la Guerra civil española como protesta al bombardeo de civiles y en contra del bando nacional. A día de hoy muchas de las personas que lo han estudiado lo primero que este cuadro les transmite no tiene que ver con estos acontecimientos. El Guernica ha trascendido el plano que tenía originalmente pasando a ser un símbolo generalizado a nivel mundial en contra de la guerra, a favor de los refugiados de guerra y contra cualquier régimen fascista. ¿A que se debe esta maximización del significado y reconocimiento de este famosísimo cuadro? Hay dos razones principales para ello, el primer motivo es de entrada la gran fama que Picasso disfrutaba en el momento en que creó la obra y la generalizada aceptación y buena recepción por el público y sistema de arte, que le dio mucha visibilidad a la obra. La segunda razón y muy importante es lo mencionado anteriormente, en ningún elemento de la composición encontramos ningún rastro ni pista de ningún tipo, que relacione directamente la pintura con los acontecimientos del 26 de abril de 1937 en Guernica, lo que a voz de pronto podría parecer un error importante con el tiempo demostró ser una estrategia formidable, pues esto permitió relacionar esta pintura con múltiples movimientos y causas a lo largo de la historia que siguió. Tras la Guerra Civil española y la Segunda Guerra mundial todos sabemos que las guerras no cesaron, Vietnam, Irán e Irak, Afganistán y un largo etcétera conforman la lista de conflictos bélicos del siglo XX. Y a lo largo de todo el tiempo en el que estas tensiones y disputas en las que diferentes países luchaban entre sí, el Guernica fue actualizando su significado y aplicado a las protestas pacifistas que luchaban por el fin del conflicto por el bien de las personas afectadas por ello. De esto son excelentes ejemplos dos de los documentos que podemos encontrar en la web Repensar Guernica, la fotografía de 2016 “Manifestantes Sostienen un Tapiz de Guerra” (Peter Marshall, 2016) en una manifestación en Londres en protesta por la muerte de refugiados sirios, y el cartel de 2003 “No a la Guerra” (Autor desconocido, 2003) que protestaba contra la guerra de Irak aprovechando la gran expresividad de la madre desolada que sostiene a su hijo muerto y el conocimiento generalizado sobre la obra de Picasso.

La unión del conocimiento del origen de la obra, su contexto y la repercusión que tuvo en sus inicios, apoyada por el archivo “How to Look at a Mural: Guernica” nos aporta una base teórica sobre la primera parte de la historia de este cuadro, pero como ya mencionamos anteriormente la vida de un cuadro no termina ahí, el Guernica se convirtió en un actor del sistema del arte y de toda la sociedad pasando a representar e inspirar muchas protestas, obras artísticas y movimientos pacifistas en todo el globo. Y es que se trata de un sistema orgánico que algunas personas, como Tony Safrazy, no dudan en catalogar como algo vivo, por que gracias a la interpretación simbólica y espiritual somos capaces de relacionar todo aquello que gira entorno al cuadro y aquello que este desencadena como algo propio de un elemento con vida propia, con un espíritu que lucha por aquello para lo que fue creado.

En una entrevista hecha a Tony Safrazy en 2019 que consta en el apartado “Historia oral” de Repensar Guernica explica la importancia que tuvo el cuadro en la lucha en contra de la Guerra de Vietnam. Según Safrazy a finales de los años 60 y principios de los 70 la Guerra de Vietnam impacto fuertemente en la población estadounidense, las personas siguieron muy de cerca el avance de los acontecimientos y quedaron horrorizados por los actos que tuvieron lugar a lo largo de este conflicto. En este momento el arte adoptó una postura firme en contra de la guerra dando lugar a multitud de obras de arte que se manifestaban abiertamente como antibelicistas, pidiendo la paz y el cese del conflicto. Debido a su fuerza simbólica y a su tremenda representación del sufrimiento creado por la guerra, el Guernica se ve envuelto en este momento como un emblema, un estandarte de la lucha por la paz y por los derechos de las personas.

Volviendo a la pregunta de si influyen las relecturas de una obra en el proceso de revalorización social y de mercado, creo que a estas alturas podemos afirmar firmemente que sí, y más aun en una obra como el Guernica de Picasso, ya que precisamente gracias a este fenómeno ha logrado convertirse en una obra atemporal, infinita, reconocida por todos cómo un símbolo universal del “no a la guerra” y posiblemente sea recordada así para el resto de la historia. Ha pasado esta obra por varias fases de reconocimiento empezando por su primera exposición en 1937 cuando ya de entrada fue bien recibida por todos y consiguió fama instantánea, tras esto viajó por muchos países inspirando a aquellos que podían verla en persona. En las siguientes décadas pasó gradualmente a ser reconocida por mucho más de lo que había sido antes, que no era poco, tanto otros artistas como las multitudes empezaron a apoyarse en el poderío simbólico y expresivo del Guernica para mostrar sus convicciones pacifistas, alcanzando un nuevo nivel de fama y aceptación con la Guerra de Vietnam. Pasada esta guerra el Guernica no cayó en el olvido, ha seguido siendo la obra de arte más citada y con más referencias en los círculos de protesta contra la guerra y por la defensa de los derechos de refugiados de guerra. No puede haber una mejor manera de mantener viva una obra de arte que esta, en la que no solo se mantiene su recuerdo y significado, sino que a medida que pasan los años va creciendo de forma natural. De manera que la respuesta a la pregunta de si pueden hacer las relecturas en la revalorización de una obra de arte es un rotundo sí. En el caso del Guernica esta revalorización es más que positiva, aun que no tiene por que ser así en todas las situaciones, algunas obras pueden tener discursos que queden desfasados en el tiempo o que incluso sean opuestos a lo que opine la cultura en la que se encuentre y eso puede afectar de forma negativa a su valor y aceptación en nuevas lecturas, aun que nunca debemos olvidar que cada obra fue realizada en un momento determinado y respondiendo a una serie de estímulos, de manera que algo que podría estar aceptado de forma general en un momento dado de la historia no tendría por que  estarlo en otros y no por ello deja de ser una obra de arte.

Volviendo al caso del Guernica los documentos citados expresan a la perfección cada uno de los escalones en los que se ha ido encontrando a lo largo de su vida y cómo ha interactuado con el mundo que lo rodea.

En cuanto a la segunda pregunta “¿de qué forma apreciamos estos cambios en el Guernica y cómo se reflejan en la documentación seleccionada?” También es bastante evidente el paso de la representación de un caso concreto, debido a la inmediatez y la importancia del bombardeo a Guernica, el cuadro durante cierto tiempo representó la lucha contra los regímenes fascistas de la época de la II Guerra Mundial, pero con el paso de los años pasó a canalizar y representar las ansias de una sociedad de conseguir paz entre las naciones.

En este trabajo he decidido representar una parte muy concreta del mundo del arte, la de las figuras físicas usadas en los efectos especiales para cine y televisión. He tomado esta iniciativa por que es algo muy cercano a mi y una de las ramas artísticas que más me interesan.

Actualmente en el mundo del cine hay dos opciones para mostrar en la pantalla cosas que en la vida real no existen, por un lado, está el CGI (también conocido como efectos a ordenador) y los efectos prácticos. Estos últimos son los que trataré de explicar en este texto. Dentro de esta familia profesional y artística hay muchas especializaciones, como la de creadores de props y atrezo, especialistas en criaturas o en decorados. Estas son algunas de las personas que se encargan de darle forma a estas creaciones y de hacerlas parecer auténticas. Pero detrás de ellos hay una organización y un mercado de grandes dimensiones.

En el mundo del entretenimiento hay dos partes principales y necesarias, los generadores de contenido y los consumidores de este. Los consumidores son el publico que sigue y disfruta estos productos. El apartado de generadores es mucho más amplio y complejo. Para representarlo he realizado este esquema en el que divido los componentes en tres apartados.

El primero es el Directo, en él he incluido los elementos principales que participan directamente en la creación de este tipo de creaciones de efectos especiales prácticos o físicos. En la base de la columna se encuentran los creadores de contenido, estos son los que en primer lugar deciden crear una historia y representarla, para ello delegan en un equipo dirigido por un director. Para el diseño de estos elementos el director delega en un director de arte y este a su vez delega en un equipo de diseñadores o artistas conceptuales que se encargan de crear la apariencia de estos elementos sobre el papel. Tras un exhaustivo trabajo de selección se envían los dibujos definitivos al equipo de producción. Es aquí donde el diseño toma forma y pasa formar parte del mundo material. Normalmente el proceso empieza con el modelado del objeto en cuestión, en algunas ocasiones la figura modelada es la definitiva y se manda a pintar, otras veces es necesario hacerle un molde para realizar una serie de copias en otros materiales, tras lo que también se le daría un acabado a color. El equipo de producción está compuesto por multitud de especialistas en diferentes campos, se necesitan técnicos para moldes, escultores, pintores, carpinteros y en algunas ocasiones incluso ingenieros para llevar a cabo trabajos de gran tamaño con seguridad.

Una vez el objeto está terminado se manda al set de grabación donde se filmarán las imágenes en las que este objeto participará y tras el trabajo de postproducción se podrá ver la grabación final, de la que disfrutará el público.

Evidentemente este es un proceso largo y en el que participan un gran número de personas. Para poder ahondar en este aspecto, en el esquema, realicé una segunda columna llamada Componentes en la que hablo de algunos de los intermediarios que hacen posible este proceso. Empezando por aclarar algunos de los componentes más importantes de los creadores de contenido, como son las productoras de cine, o las plataformas de streaming.

En el apartado de desarrolladores y producción se habla de lo explicado anteriormente del proceso de creación de estos elementos prácticos.

En la ultima columna, llamada indirecto, hago mención a aquellos actores que, aunque no están presentes en el proceso de creación de estas obras, hacen posible la existencia y asistencia al proceso de cada uno de los elementos del apartado de Componentes. Desde los más alejados, como la extracción de materia prima de la naturaleza, hasta la formación de los especialistas en cada campo.

Por último hago mención a la relación económica entre diferentes actores en este proceso. La idea principal es que los consumidores pagan por disfrutar el contenido que se crea y con este dinero los creadores de este contenido pueden mantener a todas aquellas personas y entidades que hacen posible este producto. Me gusta pensar que se trata de un círculo, una relación en la que cada uno de los presentes gana algo.