Actualmente el arte es un elemento que nos acompaña casi en todo momento de nuestra vida. Desde los cuadros y esculturas que podemos ver en un museo, la música que escuchamos, la decoración en nuestras casas o mucha de la publicidad que consumimos. Todos estos ejemplos tienen un componente artístico. Vivimos rodeados de arte y por consiguiente una gran cantidad de personas dedican su tiempo a generar esta clase de contenidos que podemos considerar, en mayor o menor grado, obras de artísticas. Pero ¿qué son estos individuos?, ¿son artistas?, ¿son genios que se diferencian del común de los mortales? Para poder responder a estas preguntas y poder comprender en mayor medida el mundo del arte y a los artistas, es necesario profundizar en su historia, su naturaleza y a su vez tratar de entender lo mejor posible a estos creadores. Para conseguir esto la sociología es una de nuestras mejores herramientas.

Para empezar ¿qué es un artista?, ¿se ha percibido esta etiqueta siempre de la misma forma?

Como presenta Janet Wolff en “La producción social del arte”, en el renacimiento tuvo lugar un gran cambio en la forma de producción artística, pasando de depender completamente de los gremios, donde se generaban productos con una estética muy similar en todos los talleres, a aparecer el genio creador como una persona individual que aportaba su marca personal a su obra, distinguiéndola de las de otros individuos. Es importante aclarar que de ninguna manera esto fue el final de los gremios y en muchas ocasiones estos nuevos creadores tenían una serie de ayudantes o aprendices, de manera que no necesariamente hacían todo el trabajo solos. A pesar de esta transformación, seguía tratándose de artesanos con mayor o menor renombre y en muchos casos, gozaban de gran reconocimiento y respeto en altas esferas sociales, aunque seguían trabajando bajo pedido y con muy poca libertad creativa. Esto último difiere con la concepción actual del artista como individuo independiente que concibe, genera y experimenta, que busca nuevos códigos para comunicarse y que en muchos casos explora la controversia en su trabajo.

Esta considerable diferencia entre la concepción del artista de antaño, y de la que percibimos actualmente, nos deja ver de forma muy clara que la idea de artista ha ido cambiando a lo largo de la historia. Entonces, ¿cómo podemos entender realmente qué es el arte? ¿y la verdadera naturaleza del artista? ¿son los artistas una especie de “mesías” de la creación y la creatividad?

Para arrojar algo de luz a estas cuestiones estudiaremos, a que llamamos arte y cómo podemos diferenciar un objeto cotidiano de un objeto artístico. Para ello es de gran ayuda conocer el trabajo de Joan Campàs. En su conferencia “Per què un objecte es pot considerar obra d´art?” Campàs nos ofrece una serie de reflexiones que aclaran la diferencia entre estos dos tipos de objetos. Según lo que en esta charla se expone, entiendo que hay dos modos principales de deducir qué hace que un objeto tenga la cualidad de ser artístico. La primera opción es la más subjetiva. Nos habla de tres elementos, la intencionalidad del artista que crea un objeto con una perspectiva artística, el propio objeto que puede tener cualidades estéticas o simbólicas que inspiran una serie de sentimientos en quien lo observa, y la mirada del espectador que sería quien lo interpretaría de forma individual y subjetiva. Esta reflexión es perfectamente válida, pero nos plantea un problema. Según esta concepción, lo que una persona puede considerar una obra de arte podría no tener ningún valor artístico para otra. Necesitamos pues otra manera de acotar esta cuestión para llegar a un acuerdo más general.

Más adelante se habla de la teoría institucional, que resumiéndolo muy brevemente, intenta decir que todo aquello que las instituciones artísticas o actores importantes de ese mundo consideren arte, será arte. En un primer momento esta teoría puede generar rechazo, es muy fácil decir que lo que un museo diga que es arte, es arte y ya está. Pero si reflexionamos sobre ello, le encontramos un sentido, sobre todo si lo analizamos desde un punto de vista sociológico o histórico. Campàs menciona cómo en el barroco, las instituciones religiosas, encargadas de la creación de gran parte de las obras artísticas, escondía o destruía obras románicas porque en ese momento no lo consideraban bonito. En cambio, aceptaban el estilo predominante de la época. Al ser estas instituciones las que hacían posible la creación de nuevas obras por medio de encargos, se les delegó la decisión de escoger qué era arte y qué no en ese momento.

Puede que hoy en día no logremos comprender estás actitudes, ya que la idea de lo qué es artístico, es mucho más abierta y flexible, debido al conocimiento de multitud de estilos de diferentes épocas y marco geográfico, pero lo cierto es que, si las instituciones artísticas no aceptan algo como artístico, esto no será aceptado de forma generalizada. Aquí es donde entraría en juego la definición subjetiva y personal explicada anteriormente, en la que si una persona encuentra inspirador este objeto sí será artístico, pero únicamente a nivel individual y personal.

Si tenemos esto en cuenta, partiendo de la teoría del arte institucional, nos será mucho más fácil entender el rol del artista. Aunque también abordaré la idea del arte cómo algo individual y subjetivo.

Otro aspecto a tener en cuenta es a qué llamamos artista. ¿Podríamos decir que artista es aquella persona que genera de alguna manera contenido artístico?, o ¿acaso es solo artista la persona que se dedica de forma profesional a esta producción? Este es otro gran interrogante que nos puede entorpecer en gran medida el avance para la comprensión del mundo del arte y de cómo aparece un artista en el mundo, pero también se trata de una oportunidad para crear una base sólida en el conocimiento general de este campo y nos hará comprender mejor la naturaleza de cada uno de los elementos que lo componen. Partiendo de las dos preguntas anteriores vamos a tomar dos vertientes, en la línea del arte como algo subjetivo personal y del arte institucionalizado. En este sentido más personal y amplio, un individuo puede tener ciertas inquietudes artísticas y generar multitud de contenido artístico, se puede escribir poesía o canciones, dibujar y pintar, modelar o tallar o cualquier otra actividad con potencial expresivo. Si seguimos este hilo podremos llegar fácilmente a la conclusión de que toda persona es en potencia un artista y lo único que hay que hacer es dar el paso de crear y seguir ese camino. Esta idea está muy en la línea del arte individual, que depende de la intencionalidad del autor a la hora de la creación, las cualidades del objeto protagonista y de la mirada subjetiva del espectador. Aquí veríamos una conversación muy personal y directa del artista como emisor y el público como receptor, y si ambos sintonizan y comparten la opinión de que el objeto es una obra de arte, este cuerpo artístico llega a cumplir su función. Incluso podríamos pensar en la persona que realiza estas creaciones, pero no las comparte, la genera por el único placer de llevarlas a cabo con una mirada íntima e introspectiva y no siente la necesidad de exponer el resultado. De acuerdo con esta concepción esto también es arte y por consiguiente la persona que lo realiza es un artista.

Por el otro lado tenemos la idea del arte aceptado por la sociedad en general y más en esta línea, aunque no siendo exclusivo, el artista que se dedica a la creación artística al menos como parte de su actividad profesional. La persona que funciona de esta manera necesita generar un flujo más o menos constante de contenido artístico para asegurarse el sustento.

Otro factor extremadamente importante sobre los artistas que debemos tener en cuenta es que son hijos de su tiempo, no podemos olvidar que se trata de personas que viven en un determinado contexto social, económico, político y personal que tiene mucha importancia en la forma de expresarse y los temas que abordan. Esto es muy evidente al pensar en la diferencia a simple vista del arte de diferentes lugares y momentos históricos, así como el arte rupestre se diferencia del arte de la Europa medieval y este a su vez del arte del Japón feudal y todos estos son completamente diferentes a una obra de arte moderno. ¿A qué se debe esto? Pues es algo derivado de que cada persona obra en base a su educación, que puede variar mucho dependiendo de donde se haya criado y con qué valores, y de los estímulos que vaya recibiendo a lo largo de su vida. Digamos que la educación te da un estilo y las vivencias un discurso.

Existe un gran problema en nuestra sociedad relacionado con la concepción del artista y su obra, y es que, como explica Vera Zolberg en “¿los artistas nacen o se hacen?”, hay una tendencia muy común a mitificar de alguna manera la capacidad de creación del artista gracias a la cual pueden hacer obras de arte. Esto, desde mi punto de vista es un tremendo y enorme error, que no hace sino alejar a las personas del arte, del artista y de la obra artística, e incluso le quita merito a la persona que lleva a cabo la creación y concepción de una obra determinada. De esta manera se le resta importancia también a todo el proceso de aprendizaje y toda la experiencia que pueda tener un artista y que supone una parte esencial del buen acabado de cada trabajo. Cierto es que la “buena mano” o que, desde un primer momento a una persona se le dé bien una u otra disciplina, son parte muy importante para comenzar en el camino de la creación artística. Pero un artista no es solo eso. Las obras de arte muestran una evolución y un aprendizaje a lo largo de la carrera de un artista e incluso en una gran mayoría de los casos hay un aprendizaje previo a dicha carrera. Dicho de otra manera, si en nuestra casa tenemos un problema eléctrico o de fontanería y llamamos a un especialista para poder solucionarlo, damos por supuesto que esta persona se ha tenido que formar sobre ese tema, sabemos que no ha nacido con la capacidad de realizar esta tarea a la perfección ni relacionamos el buen hacer de este trabajador a una energía mística que le permite cumplir con su cometido profesional. Sin embargo, con los artistas si se tiende a hacer esto y se acaba cayendo en la opinión generalizada de que no todo el mundo vale para eso y solo lo pueden alcanzar algunos iluminados. ¿Acaso si una persona nos dice que quiere estudiar medicina le respondemos con que si no se te da bien de antemano este campo mejor se dedique a otra cosa? Ahora sabemos que cada persona tiene unas capacidades físicas y mentales con un equilibrio que puede mostrar mayor facilidad en una serie de disciplinas y menor en otras, pero no por ello le resulta imposible conocer y profundizar en estas últimas.

Teniendo todo lo explicado anteriormente en cuenta, podemos empezar a hablar de la naturaleza del artista, de la manera en la que “nacen” los artistas. Como he mencionado hace poco los etiquetados como tal, son personas, con una vida y una historia, un contexto y una opinión personal. Como cualquier persona un artista tiene unas pasiones y la vida le lleva por unos caminos que le hacen diferenciarse del resto de personas del mundo. La primera cualidad que hace falta para que una persona pueda ser denominada artista es la de desarrollar cierta inquietud artística o creadora que incite a la persona a tomar elementos de su entorno y transformarlos de alguna manera para cambiar, exagerar o minimizar su significado.  Esto es el primer paso que lleva a una persona a crear algo potencialmente artístico. A partir de aquí veremos que se puede desarrollar un interés por la creación, lo que llevará al estudio de otras personas que también lo hagan y los resultados de sus obras, también a raíz de la inquietud creativa se llega a una etapa, que puede ser pasajera o no, de exploración, investigación y experimentación de la creación en la que se conocen materiales, técnicas y modos de trabajar que den lugar a multitud de resultados finales. Mediante esta exploración se adquiere una experiencia y se desarrolla un lenguaje y un estilo concretos que pueden caracterizar a este artista.

En base a todo lo expuesto anteriormente es fácil entender el porqué de la polémica sobre la cuestión de si los artistas nacen o se hacen, pero precisamente gracias a todo lo aquí abordado resulta algo más fácil entender la naturaleza de esta cuestión. Los artistas son personas de carne y hueso, con un interés por crear y comunicar algo especial, pero esto no significa que la capacidad de la creación artística sea algo inalcanzable para otras personas. El artista nace en el sentido de que, si una persona crece sin una inquietud por crear y jugar con el significado y el potencial expresivo de todos los elementos que nos rodean, difícilmente podrá acabar siendo artista. De forma que es necesaria esa cualidad, aunque podría ser que alguien a lo largo de su vida sienta esta necesidad en momentos muy concretos y aislados, lo que no niega su potencial. Pero también es muy importante el factor de “hacer” al artista en el sentido de que conduzca su mente y su técnica, que explore y crezca, en definitiva, que cultive esa faceta.

En conclusión, llegamos a la idea de que, como infinidad de conceptos de nuestras vidas, esta controversia trata de polarizar y separar dos elementos que forman parte de la idea con la que se les vincula. Un artista nace y se hace, se nace con una chispa, un potencial creador y a lo largo de la vida se pueden ir aumentando y trabajando estas cuestiones de manera que lleven finalmente a poder considerarse artista.

Bibliografía

Campàs. Joan (2021). Curs: Introducció a a Història de l’art. 1. Per què un objecte es pot considerar obra d’art. Barcelona. (Consulta noviembre 2021)

https://www.youtube.com/watch?v=9spYFuyVGTE

Zolberg.  Vera. «Fragment de: Los artistas nacen o se hacen». En: Sociología de las artes. Madrid: Fundación autor. p. 149-161. ISBN 8480484713

20.304 – Seminario de contextos y sistemas del arte 

2. Analizar una obra de arte desde una perspectiva sociológica

¿Qué nos aporta analizar el arte desde una perspectiva sociológica? ¿Tiene algo que ver siquiera el arte con la sociología? Cuando pensamos en una obra de arte, se nos viene a la mente una imagen, visionamos en nuestra imaginación la apariencia física de esta obra. Evidentemente la obra de arte es algo mucho mayor que una impresión en nuestra mente que nos recuerda cómo se ve dicha figura. Para empezar cada obra de arte es hija de su tiempo, de la misma manera que lo es el autor de esta. Cuando un autor está llevando a cabo su obra artística, éste deja patente voluntaria o involuntariamente una serie de elementos que aportan información al ojo experto. Esto puede verse en base al estilo en el que el artista se exprese, la técnica que use, los materiales o según la temática que éste aborde y la forma en la que lo haga. La forma más evidente de manifestación es el uso de ciertos elementos como símbolos que, incluidos en la obra, puedan aclarar el sentido de esta. Todos estos elementos y otros muchos pueden dar una ingente cantidad de información que puede ser analizada desde múltiples puntos de vista, un análisis artístico puede darnos cierta información, un análisis histórico nos dará otra y un análisis sociológico puede aportar mucha más información ya que trata un espectro de temas mayor que ya de entrada integra otros temas como la historia.

En definitiva, en ningún momento una obra de arte es solo un objeto artístico. Se trata entonces de un registro de mucha información, de muchos aspectos y concerniente a múltiples disciplinas, en el código poco usual que es la expresión artística.

Además de esto último, la “vida útil” de la obra artística no termina con su creación o exposición ni con su posterior análisis. La obra pasa a formar parte del mundo del arte y del mundo en general como un nuevo agente, que puede ser el eje entorno al cual giren muchas nuevas acciones. Puede convertirse en emblema para múltiples causas, ilustrar una realidad pasada o presente, inspirar nuevas obras, puede actualizar su significado si es compatible con nuevos aspectos de la vida, etc.

Pocas obras de arte pueden representar mejor todo lo explicado anteriormente que el más que famoso Guernica de Pablo Picasso. En esta actividad analizaremos desde una perspectiva sociológica esta obra y trataremos de indagar en las siguientes preguntas: ¿influyen las relecturas de una obra de arte en su cadena de revalorización social y de mercado? ¿De qué forma apreciamos estos cambios en el Guernica y cómo se reflejan en la documentación seleccionada? Para ayudarnos en esta tarea contamos con la web Repensar Guernica creada por el Museo Reina Sofía. En esta página web encontramos un registro con más de 2000 archivos relacionados con este cuadro. De entre todos estos elementos nos serviremos de cuatro que nos permitirán comprender de qué manera ha marcado esta obra a nuestra sociedad y porqué lo ha conseguido.

Para alcanzar a ver la magnitud de la influencia de este cuadro en el mundo en que vivimos, hay que empezar por entender el nacimiento de la obra y lo que ella representa.

En el año 1937, en plena guerra civil española, la población de Guernica fue bombardeada por tropas alemanas e italianas. El mismo año se le pide a Pablo Picasso que realice una obra para figurar en la Exposición Internacional de 1937 en París y él creó esta inolvidable pintura.

Para ayudarnos a entender la intención de la pintura nos serviremos del archivo “How to Look at a Mural: Guernica” (Ad Reinhardt, 1947). En esta ilustración se desglosa el gran cuadro, destacando y explicando algunos de los elementos más importantes. Comienza por presentar la obra al observador con una breve introducción que explica el contexto en que la obra fue concebida. Acto seguido se ven algunos detalles extraídos de la obra, estos describen a la perfección los horrores de la guerra, el sufrimiento y angustia que acontecimientos de este estilo causan a las personas. También se encuentran gran cantidad de símbolos, como la flor o el ojo que crea la bombilla que ilumina en la parte alta de la obra. Pero a pesar de todos los elementos que podemos encontrar en el frenesí de imágenes que es el Guernica, no somos capaces de ver ninguna alusión directa que relacione esta pintura con el bombardeo que le da nombre, mas allá del título de la obra. Este pequeño detalle resulta ser una característica muy importante en el papel simbólico que jugará este cuadro más adelante.

El Guernica fue creado durante la Guerra civil española como protesta al bombardeo de civiles y en contra del bando nacional. A día de hoy muchas de las personas que lo han estudiado lo primero que este cuadro les transmite no tiene que ver con estos acontecimientos. El Guernica ha trascendido el plano que tenía originalmente pasando a ser un símbolo generalizado a nivel mundial en contra de la guerra, a favor de los refugiados de guerra y contra cualquier régimen fascista. ¿A que se debe esta maximización del significado y reconocimiento de este famosísimo cuadro? Hay dos razones principales para ello, el primer motivo es de entrada la gran fama que Picasso disfrutaba en el momento en que creó la obra y la generalizada aceptación y buena recepción por el público y sistema de arte, que le dio mucha visibilidad a la obra. La segunda razón y muy importante es lo mencionado anteriormente, en ningún elemento de la composición encontramos ningún rastro ni pista de ningún tipo, que relacione directamente la pintura con los acontecimientos del 26 de abril de 1937 en Guernica, lo que a voz de pronto podría parecer un error importante con el tiempo demostró ser una estrategia formidable, pues esto permitió relacionar esta pintura con múltiples movimientos y causas a lo largo de la historia que siguió. Tras la Guerra Civil española y la Segunda Guerra mundial todos sabemos que las guerras no cesaron, Vietnam, Irán e Irak, Afganistán y un largo etcétera conforman la lista de conflictos bélicos del siglo XX. Y a lo largo de todo el tiempo en el que estas tensiones y disputas en las que diferentes países luchaban entre sí, el Guernica fue actualizando su significado y aplicado a las protestas pacifistas que luchaban por el fin del conflicto por el bien de las personas afectadas por ello. De esto son excelentes ejemplos dos de los documentos que podemos encontrar en la web Repensar Guernica, la fotografía de 2016 “Manifestantes Sostienen un Tapiz de Guerra” (Peter Marshall, 2016) en una manifestación en Londres en protesta por la muerte de refugiados sirios, y el cartel de 2003 “No a la Guerra” (Autor desconocido, 2003) que protestaba contra la guerra de Irak aprovechando la gran expresividad de la madre desolada que sostiene a su hijo muerto y el conocimiento generalizado sobre la obra de Picasso.

La unión del conocimiento del origen de la obra, su contexto y la repercusión que tuvo en sus inicios, apoyada por el archivo “How to Look at a Mural: Guernica” nos aporta una base teórica sobre la primera parte de la historia de este cuadro, pero como ya mencionamos anteriormente la vida de un cuadro no termina ahí, el Guernica se convirtió en un actor del sistema del arte y de toda la sociedad pasando a representar e inspirar muchas protestas, obras artísticas y movimientos pacifistas en todo el globo. Y es que se trata de un sistema orgánico que algunas personas, como Tony Safrazy, no dudan en catalogar como algo vivo, por que gracias a la interpretación simbólica y espiritual somos capaces de relacionar todo aquello que gira entorno al cuadro y aquello que este desencadena como algo propio de un elemento con vida propia, con un espíritu que lucha por aquello para lo que fue creado.

En una entrevista hecha a Tony Safrazy en 2019 que consta en el apartado “Historia oral” de Repensar Guernica explica la importancia que tuvo el cuadro en la lucha en contra de la Guerra de Vietnam. Según Safrazy a finales de los años 60 y principios de los 70 la Guerra de Vietnam impacto fuertemente en la población estadounidense, las personas siguieron muy de cerca el avance de los acontecimientos y quedaron horrorizados por los actos que tuvieron lugar a lo largo de este conflicto. En este momento el arte adoptó una postura firme en contra de la guerra dando lugar a multitud de obras de arte que se manifestaban abiertamente como antibelicistas, pidiendo la paz y el cese del conflicto. Debido a su fuerza simbólica y a su tremenda representación del sufrimiento creado por la guerra, el Guernica se ve envuelto en este momento como un emblema, un estandarte de la lucha por la paz y por los derechos de las personas.

Volviendo a la pregunta de si influyen las relecturas de una obra en el proceso de revalorización social y de mercado, creo que a estas alturas podemos afirmar firmemente que sí, y más aun en una obra como el Guernica de Picasso, ya que precisamente gracias a este fenómeno ha logrado convertirse en una obra atemporal, infinita, reconocida por todos cómo un símbolo universal del “no a la guerra” y posiblemente sea recordada así para el resto de la historia. Ha pasado esta obra por varias fases de reconocimiento empezando por su primera exposición en 1937 cuando ya de entrada fue bien recibida por todos y consiguió fama instantánea, tras esto viajó por muchos países inspirando a aquellos que podían verla en persona. En las siguientes décadas pasó gradualmente a ser reconocida por mucho más de lo que había sido antes, que no era poco, tanto otros artistas como las multitudes empezaron a apoyarse en el poderío simbólico y expresivo del Guernica para mostrar sus convicciones pacifistas, alcanzando un nuevo nivel de fama y aceptación con la Guerra de Vietnam. Pasada esta guerra el Guernica no cayó en el olvido, ha seguido siendo la obra de arte más citada y con más referencias en los círculos de protesta contra la guerra y por la defensa de los derechos de refugiados de guerra. No puede haber una mejor manera de mantener viva una obra de arte que esta, en la que no solo se mantiene su recuerdo y significado, sino que a medida que pasan los años va creciendo de forma natural. De manera que la respuesta a la pregunta de si pueden hacer las relecturas en la revalorización de una obra de arte es un rotundo sí. En el caso del Guernica esta revalorización es más que positiva, aun que no tiene por que ser así en todas las situaciones, algunas obras pueden tener discursos que queden desfasados en el tiempo o que incluso sean opuestos a lo que opine la cultura en la que se encuentre y eso puede afectar de forma negativa a su valor y aceptación en nuevas lecturas, aun que nunca debemos olvidar que cada obra fue realizada en un momento determinado y respondiendo a una serie de estímulos, de manera que algo que podría estar aceptado de forma general en un momento dado de la historia no tendría por que  estarlo en otros y no por ello deja de ser una obra de arte.

Volviendo al caso del Guernica los documentos citados expresan a la perfección cada uno de los escalones en los que se ha ido encontrando a lo largo de su vida y cómo ha interactuado con el mundo que lo rodea.

En cuanto a la segunda pregunta “¿de qué forma apreciamos estos cambios en el Guernica y cómo se reflejan en la documentación seleccionada?” También es bastante evidente el paso de la representación de un caso concreto, debido a la inmediatez y la importancia del bombardeo a Guernica, el cuadro durante cierto tiempo representó la lucha contra los regímenes fascistas de la época de la II Guerra Mundial, pero con el paso de los años pasó a canalizar y representar las ansias de una sociedad de conseguir paz entre las naciones.

Guernica: el poder político-social de una imagen

Cuando se habla de arte, en los diferentes círculos sociales, se tiende a hablar sobre la técnica de este artista, de los colores que utiliza este otro o de lo expresionista o desalentadora que es aquella obra. Solo se habla de artista y obra, obviando, por lo tanto, toda la red de actantes que interfieren no solo en la realización de una obra de arte, sino también a los que interfieren en su distribución, exposición y significado. Esta red de actores, que está formada tanto por humanos como no-humanos, es la parte invisible e indispensable para que el arte sea arte y que, por ende, logre sus diferentes objetivos. ¿A qué nos referimos cuando hablamos de actores que influyen en una obra? Cada persona, cada evento cultural, social o político que ocurre en la época en la que nos encontramos, cada institución vinculada, nuestras relaciones sociales y todo aquello que nos pueda condicionar, tanto a la hora de crear una obra de arte como a la de difundirla, forman esa constelación que orbita alrededor y le otorgan un sentido u otro. Es crucial entender que todas estas relaciones contribuirán, en mayor o menos grado, a que se den los acontecimientos venideros de una obra, y que, además, dependiendo de unos factores u otros, esta tendrá una función y significados similares o totalmente alejados de los verdaderamente intencionados.

Bajo esa perspectiva, por lo tanto, urge plantearse la siguiente pregunta: ¿qué interacciones se dan entre la historia social y política y una obra de arte? A lo largo de la historia, el arte nos ha demostrado su poder visual, moviéndose por terrenos alternativos como lo son la política o los intereses sociales y económicos, y esto nos ayuda a entender aspectos diferentes e importantes en cada uno de ellos. Para adentrarnos un poco más en estos términos, vamos a utilizar la obra Guernica de Pablo Picasso, una de las obras de mayor relevancia en aspectos sociales y políticos, y ya no solo de nuestro país, sino del mundo entero. Valiéndonos de los recursos que el site Repensar Guernica nos pone al alcance, vamos a resolver esta hipótesis sobre el funcionamiento del mundo del arte y profundizaremos un poco sobre el funcionamiento de esta web. ¿Cómo se rastrean estas relaciones en el site Repensar Guernica y qué tipo de documentación nos aporta?

Repensar el Guernica es un sitio web interactivo en el que se nos deconstruye un objeto artístico, en este caso la obra de Picasso. Rocío Robles, investigadora principal del proyecto, junto a Inés Plasencia, doctora en Historia del Arte, nos presentan este proyecto del Museo Reina Sofía donde, gracias al trabajo intensivo de diferentes instituciones y departamentos como el de programación virtual, la biblioteca y el departamento de colecciones del museo, podemos hacer una inmersión documental sobre la historia del Guernica. No solo nos permiten el acceso a documentación histórica, sino que ofrecen un adentramiento a diferentes contextos, como instituciones, curadores, eventos políticos…, y nos dan una percepción alternativa de esta obra pictórica, desjerarquizándola por completo y dándole la misma importancia a todos y cada uno de sus aspectos. Para ello, clasifican más de 2000 documentos organizados en temáticas diferenciadas.

Esta es una experiencia que, como comenta Inés Plasencia en su entrevista para la UOC (2021), va más allá del archivo del cuadro; dependiendo de lo que vayamos buscando y/o encontrando en la plataforma, podremos dar con una u otra información que acabe interviniendo en nuestra propia visión de la obra; es importante destacar, en ese sentido, cómo presenciamos el nuevo alcance del término “archivo” con las humanidades digitales, que tanto influyen a la hora de encontrar y de utilizar toda esta información tan relevante para nuestra investigación. Tras seleccionar cinco documentos de dicha plataforma, vamos a ver qué relación existe entre ellos e investigaremos las interacciones que se establecen entre la historia social y política de la obra picassiana.

La gran obra Guernica es un óleo sobre lienzo, de 776,6 cm de largo y 349,3 cm de alto, realizada por Pablo Picasso en 1937 durante la guerra civil española. Este cuadro tiene una carga simbólica fortísima, pues representa los bombardeos al pueblo de Guernica durante la guerra, y este simbolismo es tal que fue y sigue siendo todo un referente político-social. Agenciada por el bando republicano español —como podemos comprobar en el primer archivo escogido, donde podemos ver a miembros del bando republicano de Euskadi frente a la obra— la imagen del Guernica es una llamada de atención, un mensaje directo a la conciencia humana al ser una representación del daño que estaba provocando el bando nacional al pueblo español. El mensaje que manifiesta la obra se extendió por todo el mundo como una llamada de auxilio y despertó el interés de cientos de colectivos activistas, bandos republicanos y minoritarios que entraron en acción.

En nuestro segundo archivo encontrado en el site Repensar Guernica, comprobamos el interés de las esposas de Dana C. Backus y Simon Guggenheim, Louise Laidlaw Backus y Olga H. Guggenheim, por ayudar a los exiliados del bando republicano español, utilizando a Picasso y a su obra como intermediarios: redactaron una carta dónde piden una donación de 10.000 dólares para la Spanish Refugee Relief Campaign e informan de que harán una gira del Guernica por todo el país antes de exponerlo en el MoMA.

Vale decir que muchas de las peticiones de préstamo de la obra que diferentes instituciones artísticas de todo el mundo solicitaron fueron rechazadas, no solo por su alta demanda, sino porque en ocasiones se planteaba un conflicto político, dado el carácter republicano que adquirió la obra. De ahí, por lo tanto, que, para seguir difundiendo ese mensaje pacifista, conciliador y concienciador, como alternativa a tener in situ el cuadro físico, la imagen del Guernica empezara a ser reproducida en diferentes soportes, como tapices, pancartas, pósters de protesta o en réplicas de menor o mayor tamaño para colecciones privadas. Es por eso, en consecuencia, que, en otro de los documentos seleccionados, podamos leer una carta de Nelly Van Doesburg del 19 de noviembre de 1955 donde informa a Louise A. Boyer, secretaria de Nelson Rockefeller, de que un tapiz dónde se replica la imagen del Guernica ya está finalizado y listo para su exposición en Antibes (Francia).

Con ello vemos que la intencionalidad de una obra se transforma gracias a los diferentes actores que fueron interviniendo en su difusión y exposición, y que ya no es una simple obra de arte sino un símbolo de paz a nivel mundial. Ya no hablamos del Guernica como una obra de arte material, sino como un acontecimiento histórico. Un acontecimiento del que nace un icono revolucionario a nivel social, político y económico, pues, ya se sabe: el poder de una imagen vale más que mil palabras. No es de extrañar, por lo tanto, que en el cuarto documento seleccionado veamos un póster creado por el artista Rudolf Baranik (USA 1967) en el que se utilice una referencia del Guernica junto a la frase “STOP THE WAR IN VIETNAM NOW!”.

Gracias al trabajo realizado en el site Repensar Guernica y una investigación sobre las relaciones sociales y los mundos del arte, podemos observar toda una red de actantes involucrada en una obra arte. Que el bando nacional en la guerra civil española iniciara un bombardeo en el pueblo de Guernica dio un motivo a Picasso para crear su obra, que, a su vez, fue aplaudida y agenciada por el bando republicano español. Esta relación entre la política y la obra de arte se transforma en un acontecimiento que aúna a las masas minoritarias y las ayuda a alzar su voz, creando un movimiento social gracias a la fuerza de una imagen convertida en un símbolo. El Guernica ha seguido utilizándose a lo largo de los años como imagen de protesta, como vemos en el último documento escogido, pues vemos el escaparate de una tienda de Madrid intervenida por Heinz Hebeisen con mensajes de protesta utilizando referencias explícitas del cuadro de Picasso. Estos actores son los que le dan el verdadero sentido a la obra, ya no a nivel estético, sino a nivel político-social.

Para terminar, por lo tanto, podemos sacar las siguientes conclusiones, que se pueden aplicar al caso del Guernica, pero que son extensibles al poder multisectorial que puede tener cualquier obra de arte:

• Tanto las relaciones sociales como los eventos que ocurran en torno al artista influyen a la hora de la creación de una obra de arte.
• Las agencias dotan a la obra de un significado, cambiando o no su intencionalidad, e influyen en la difusión de este.
• Una obra de arte puede transformarse en un símbolo que une a la sociedad bajo un mismo ideal.
• La estética de una obra de arte puede utilizarse como provocación y manifestación.
• Una obra de arte puede tener valor más allá de su forma material y convertirse en un acontecimiento.
• Gracias a las humanidades digitales podemos deconstruir una obra y analizarla desde diferentes aspectos.

Anexo

Cronología de los documentos encontrados y escogidos en el web Repensar Guernica.

·Miembros del Gobierno de Euskadi en el Pabellón de España ante Guernica

Miembros del Gobierno del bando republicano de Euskadi en el Pabellón de España (París, Francia) ante Guernica en 1937. Agenciando la imagen para sus intereses políticos.

Año: 1937

Tipo material:  Fotografía

Archivo de origen: Ministerio de Educación, Cultura y Deporte. Centro Documental de la Memoria Histórica 

Referencia en el archivo de origen:  PS-FOTOGRAFÍAS, 42, PS67A

https://guernica.museoreinasofia.es/documento/miembros-del-gobierno-de-euskadi-en-el-pabellon-de-espana-ante-guernica

·Carta modelo firmada por Louise Laidlaw Backus y Olga H. Guggenheim para pedir donaciones

Carta estadounidense en la que se pide a diferentes entidades sociales y culturales una donación económica para ayudar a los intelectuales exiliados del bando republicano de la guerra civil española.

Autor: Dana C. Backus Simon Guggenheim

Año: 1939

Tipo material: Correspondencia institucional

Archivo de origen: The Rare Book and Manuscript Library, Columbia University Library

Referencia en el archivo de origen:  Spanish Refugee Relief Association Record, 1935-1957, Part D: Affairs, Box 11, Picasso Exhibit n. 1

Cortesía de Rare Book & Manuscript Library, Columbia University in the City of New York

https://guernica.museoreinasofia.es/documento/carta-modelo-firmada-por-louise-laidlaw-backus-y-olga-h-guggenheim-para-pedir-donaciones

·Carta de Nelly Van Doesburg a Louise A. Boyer del 19 de noviembre de 1955

Carta informando sobre la finalización y exposición de una replica del Guernica en Antibes, Francia.

Autor: Nelly (Petro) Van Doesburg

Año: 1955

Tipo material: Correspondencia institucional

Archivo de origen: Rockefeller Archive Center

Referencia en el archivo de origen: Collection RFam NAR, RG4, Series C: Art, B28-F239 «La Guernica»

https://guernica.museoreinasofia.es/documento/carta-de-nelly-van-doesburg-louise-boyer-del-19-de-noviembre-de-1955

·PÓSTER, 1967 Stop the war in Vietnam now! [¡Detened la guerra en Vietnam ahora!]

Poster protestanto contra la guerra de Vietnam, realizado por el artista Rudolf Baranik, utilizando la imagen del Guernica como referencia.
Autor: Rudolf Baranik

Año: 1967

Tipo material: Cartel

© Rudolf Baranik; Cortesía de the estate of the artist y RYAN LEE Gallery, Nueva York.

https://guernica.museoreinasofia.es/documento/stop-war-vietnam-now-detened-la-guerra-en-vietnam-ahora

·MADRID, 1982 Fachada de tienda

Grafitti realizado por el artista Heinz Hebeisen utilizando la imagen del Guernica para su protesta social.

Autor: Heinz Hebeisen

Año: 1982

Tipo material: Fotografía

Archivo de origen: Iberimage

Referencia en el archivo de origen: BI151420

© Heinz Hebeisen/ Iberimag

https://guernica.museoreinasofia.es/documento/fachada-de-tienda

Bibliografía

Casos de sociología del arte. (2020). Casos de sociología del arte. http://arts.recursos.uoc.edu/casos-sociologia/es/

Glosario de términos de sociología del arte. (2020). Glosario de términos de sociología del arte. http://arts.recursos.uoc.edu/glossari-sociologia/es/

Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía. (2021). Pablo Picasso (Pablo Ruiz Picasso) – Guernica. https://www.museoreinasofia.es/coleccion/obra/guernica

Repensar Guernica. La obra-icono del siglo XX de Picasso en detalle. (2021). Repensar Guernica. https://guernica.museoreinasofia.es/

Rudolf Baranik – RYAN LEE Gallery. (2018). Ryanleegallery.Com https://ryanleegallery.com/artists/rudolf-baranik/

UOC. Entrevista con Inés Plasencia sobre Repensar Guernica. 2021 UOC. Recursos UOC.

Vera Zolberg. Fragmento de: El objeto de arte como proceso social. En: Sociología de las artes. Madrid: Fundación autor. p. 101-115. Recursos UOC.

Para mi diagrama he decidido utilizar los siguientes actores basándome en mi ideal de cómo funciona el sistema de las artes contemporáneas; Público, Aprendices, Maestros, Soportes, Artistas, Representantes y Mecenas, Medios de comunicación modernos y Medios de comunicación tradicionales.

De los cuales en todos ellos actúan factores humanos y factores no humanos.

El apartado del Público se refiere a todo tipo de receptores del mensaje artístico, ya sea por medios de comunicación tradicionales o por medios de comunicación modernos. El público es el motor del ciclo del arte, pues sin un espectador al que transmitir, el crear una obra de arte pierde la mitad de su significado, ya que ser artista consiste en transmitir a otros, ya sean ideas o sentimientos.

El público en mi esquema puede evolucionar en tres direcciones posibles dentro del mundo artístico, pueden convertirse en aprendices, artistas, representantes o mecenas.

Los Aprendices para mi han sido en algún momento espectadores del mundo artístico y han dado el paso a formarse para aprender más sobre este mundo para algún día poder actuar en relación con este. Como ejemplo puede ser una persona que le gusta mucho un género musical y decide aprender más sobre ese género para poder llegar algún día a trabajar alrededor de este.

Después de ser aprendiz puedes alcanzar otras etapas de este ciclo como: ser maestro de lo aprendido para transmitir tus ideas, ser artista y crear mediante lo formado que estas, convertirte en mecenas o representante de otro artista o actuar de soporte para el tema en el que estás formado.

El ser Artista en mi diagrama es tan importante como ser Público, pues son los nodos más comunicados en consecuencia a su importancia en este ciclo, no existiría uno sin el otro de la manera en la cual los conocemos hoy en día. El Artista es el responsable de comunicar y el espectador se encarga de recibir el mensaje.

Cuando se es artista puedes alcanzar varias opciones a la hora de actuar: Puedes convertirte en Maestro gracias a las experiencias que has tenido y que te han hecho evolucionar como artista. También puedes convertirte en mecenas o representante, tanto de ti como de otro artista ya que puedes ver con mejor claridad la viabilidad de un proyecto o el objetivo de alguno, para así hacérselo saber a los medios de comunicación para expandir el alcance de tus obras.

El último apartado en mi diagrama son los medios de comunicación, pues sin estos sería muy complicada la transmisión del mensaje del artista para el espectador.

Este mensaje se puede transmitir por medios de comunicación artística tradicionales, como puede ser mediante museos, impresos como pueden ser periódicos o revistas, noticias televisivas, galerías de arte o el boca a boca.

Hoy en día también disponemos de medios de comunicación artística modernos. Gracias al avance del tiempo y a la evolución tecnológica podemos comunicar esta información mediante redes sociales, mediante mensajería instantánea o métodos de transmisión en vivo.

Todos estos factores del diagrama trabajan en armonía para el ciclo del arte, pues desde mi punto de vista el mundo artístico es un ciclo que nunca va a parar mientras existan artistas que quieran transmitir un mensaje a la par de espectadores que admiren la obra del artista para así cerrar el ciclo.

En este trabajo he decidido representar una parte muy concreta del mundo del arte, la de las figuras físicas usadas en los efectos especiales para cine y televisión. He tomado esta iniciativa por que es algo muy cercano a mi y una de las ramas artísticas que más me interesan.

Actualmente en el mundo del cine hay dos opciones para mostrar en la pantalla cosas que en la vida real no existen, por un lado, está el CGI (también conocido como efectos a ordenador) y los efectos prácticos. Estos últimos son los que trataré de explicar en este texto. Dentro de esta familia profesional y artística hay muchas especializaciones, como la de creadores de props y atrezo, especialistas en criaturas o en decorados. Estas son algunas de las personas que se encargan de darle forma a estas creaciones y de hacerlas parecer auténticas. Pero detrás de ellos hay una organización y un mercado de grandes dimensiones.

En el mundo del entretenimiento hay dos partes principales y necesarias, los generadores de contenido y los consumidores de este. Los consumidores son el publico que sigue y disfruta estos productos. El apartado de generadores es mucho más amplio y complejo. Para representarlo he realizado este esquema en el que divido los componentes en tres apartados.

El primero es el Directo, en él he incluido los elementos principales que participan directamente en la creación de este tipo de creaciones de efectos especiales prácticos o físicos. En la base de la columna se encuentran los creadores de contenido, estos son los que en primer lugar deciden crear una historia y representarla, para ello delegan en un equipo dirigido por un director. Para el diseño de estos elementos el director delega en un director de arte y este a su vez delega en un equipo de diseñadores o artistas conceptuales que se encargan de crear la apariencia de estos elementos sobre el papel. Tras un exhaustivo trabajo de selección se envían los dibujos definitivos al equipo de producción. Es aquí donde el diseño toma forma y pasa formar parte del mundo material. Normalmente el proceso empieza con el modelado del objeto en cuestión, en algunas ocasiones la figura modelada es la definitiva y se manda a pintar, otras veces es necesario hacerle un molde para realizar una serie de copias en otros materiales, tras lo que también se le daría un acabado a color. El equipo de producción está compuesto por multitud de especialistas en diferentes campos, se necesitan técnicos para moldes, escultores, pintores, carpinteros y en algunas ocasiones incluso ingenieros para llevar a cabo trabajos de gran tamaño con seguridad.

Una vez el objeto está terminado se manda al set de grabación donde se filmarán las imágenes en las que este objeto participará y tras el trabajo de postproducción se podrá ver la grabación final, de la que disfrutará el público.

Evidentemente este es un proceso largo y en el que participan un gran número de personas. Para poder ahondar en este aspecto, en el esquema, realicé una segunda columna llamada Componentes en la que hablo de algunos de los intermediarios que hacen posible este proceso. Empezando por aclarar algunos de los componentes más importantes de los creadores de contenido, como son las productoras de cine, o las plataformas de streaming.

En el apartado de desarrolladores y producción se habla de lo explicado anteriormente del proceso de creación de estos elementos prácticos.

En la ultima columna, llamada indirecto, hago mención a aquellos actores que, aunque no están presentes en el proceso de creación de estas obras, hacen posible la existencia y asistencia al proceso de cada uno de los elementos del apartado de Componentes. Desde los más alejados, como la extracción de materia prima de la naturaleza, hasta la formación de los especialistas en cada campo.

Por último hago mención a la relación económica entre diferentes actores en este proceso. La idea principal es que los consumidores pagan por disfrutar el contenido que se crea y con este dinero los creadores de este contenido pueden mantener a todas aquellas personas y entidades que hacen posible este producto. Me gusta pensar que se trata de un círculo, una relación en la que cada uno de los presentes gana algo.